MARINA ABRAMOVIĆ (Serbia/EE.UU.)
'Documental Rhythm 0' 1974, 2013, 3'07”
En 1974, la artista Marina Abramović realizó una obra de arte de performance titulada Rhythm 0. Permaneció inmóvil en una galería de arte durante exactamente 6 horas. A un lado había una mesa con docenas de objetos, cada uno seleccionado por sus asociaciones con el dolor o el placer: un látigo, miel, uvas, una pluma, cuchillos, lápiz labial, una cámara, un bisturí, una rosa, una pistola... y un solo bala.
Un cartel sobre la mesa describía la actuación.
Ritmo 0
INSTRUCCIONES
Hay 72 objetos en la mesa que se pueden usar en mí como se desee.
RENDIMIENTO
Yo soy el objeto. Durante este tiempo asumo toda la responsabilidad.
Los miembros de la audiencia eran modestos y tímidos al principio, cambiando la posición de sus brazos y usando los artículos con nerviosismo.
Luego se volvieron más audaces. Le colocaron objetos encima. Le tomaron fotos y la posaron con las fotografías. Jugaron con su cuerpo.
Luego se volvieron agresivos. Echaron aceite sobre su cabeza. La pincharon con las espinas de la rosa. Le cortaron la ropa. La cortaron . Una participante en realidad lamió su sangre.
La llevaron por la habitación semidesnuda, luego la pusieron sobre una mesa de madera y le clavaron un cuchillo en la mesa entre las piernas.
Un participante puso una bala en el arma y apuntó a su cabeza, y la mantuvo allí, con el dedo en el gatillo, hasta que otro miembro de la audiencia finalmente empujó el arma.
A lo largo de la actuación, Abramović permaneció pasivo. Más tarde lo describió como seis horas de horror: "Si lo dejas en manos de la audiencia, te pueden matar".
Al final de las seis horas, el curador anunció que la actuación había concluido. Abramović se puso de pie, con lágrimas en los ojos y sangre goteando de su cuello, y caminó hacia la audiencia.
La audiencia se dispersó. Nadie quería enfrentarse a la versión activa y animada de la figura pasiva de la que habían estado abusando.
Como muestra la actuación de Abramović hace 40 años, la sociedad siempre hará lo peor que pueda con una víctima pasiva. Pero cuando los abusadores descubren que su víctima ya no es un objeto pasivo, que se adelanta para confrontarlos cara a cara, su gusto por la confrontación se desvanece de repente
4TO PSICOLOGÍA
MARCEL.LÍ ANTÚNEZ ROCA (España)
Epizoo, 1994, 8'29”
Epizoo es un videojuego de la vida real en el que el espectador controla el cuerpo de Marcel.lí a través de un sistema mecatrónico compuesto por un ordenador, un ratón, un exoesqueleto robótico y un conjunto de mecanismos neumáticos. Los dispositivos neumáticos mueven la nariz, las nalgas, los pectorales, la boca y las orejas del artista mientras permanece erguido sobre una plataforma circular giratoria, soportando cualquier dolor que se le inflija. Epizoo fue una de las primeras aplicaciones artísticas de la tecnología informática al cuerpo humano. La obra causó sensación en la década de 1990 al reflejar lo que puede suceder cuando se permite a las personas controlar el cuerpo de otra y la paradoja irónica, e incluso cruel, que surge de la coexistencia entre la iniquidad digital virtual y la vulnerabilidad física del intérprete.
RON ATHEY (EE.UU.)
La historia de Ron, 2001, 4'44”
Este cortometraje creado por Janez Janša de Aksioma, Eslovenia, con música original de BAST, muestra extractos de las primeras actuaciones de Ron Athey basadas en sus experiencias de adicción y autolesión.
FRANKO B (Reino Unido/Italia)
No me dejes así , 2007, 5'18”
Don't Leave Me This Way marcó un cambio en la práctica escénica de Franko B, formalizando su salida del trabajo basado en la sangre. Aquí le da al espectador tiempo para mirar su cuerpo desnudo y acercarse a él como una forma escultórica; muy tatuado y lleno de cicatrices, voluptuoso en forma y tamaño. Las actuaciones de Franko B siempre han dejado marcas metafóricas en la psique de los espectadores vulnerables, conmoviendo a los espectadores empáticos con la carga visceral del cuerpo postrado. Si se agotaron las formas en que podía lograr este efecto a través del sangrado, entonces Don't Leave Me This Way continuaba la escena de la herida en el reino de lo metafórico, inscribiendo su forma en una visión dolorosa.
WAFAA BILAL (Iraq/EE.UU.)
en 'Shoot An Iraqi', 2007, 2'21”
El artista habla de su provocativa actuación interactiva en la que, en el transcurso de 30 días, se invitó al público a dispararle una pistola de bolas de pintura a través de Internet. Le dispararon 60.000 veces.
ROCÍO BOLIVER (México) Los
tiempos pasan y no te puedo olvidar: Entre la menopausia y la vejez, 2013, 4'18”
El video es un extracto de la documentación de una performance que Rocío Boliver realizó en Grace Exhibition Space, Nueva York, en la que parodia un desfile y critica las representaciones y expectativas del cuerpo (envejecido) femenino.
CASSILS (Canadá/EE.UU.)
Los poderes fácticos , 2016, 2'24”
Cassils colabora con el coreógrafo de peleas Mark Steger para organizar una pelea brutal de dos personas. Iluminado por los faros de un automóvil en las profundidades de un estacionamiento, Cassils es la única figura, luchando con una fuerza invisible. Los estéreos de los autos circundantes transmiten una partitura multicanal de ruido estático y muestras de radio diseñadas por Kadet Kuhne. Al amplificar los conflictos sociopolíticos en cada lugar de actuación con sonido. The Powers That Be explora la irrepresentabilidad radical de ciertas formas de trauma y violencia. Aquí la señal de radio es una transmisión de temas específicos del sitio, tanto próximos como distantes. The Powers That Be aborda la mediación de la violencia cuestionando los roles de testigo y agresor por parte del espectador.
BOB FLANAGAN (EE.UU.)
Canción Cystic Fibrosis , años 90, 1'32”
Bob Flanagan parodia una famosa canción de Disney para transmitir sus experiencias de vivir con fibrosis quística. La actuación tuvo lugar en Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE) a principios de la década de 1990 y aparece en la galardonada película de 1997 Sick: The Life and Death of Bob Flanagan, Supermasochist.
REGINA JOSÉ GALINDO (Guatemala)
Lucha , 2002, 3'37”
Una actuación en la que Regina José Galindo pelea con una luchadora profesional. Siendo una artista que siempre enfrenta, critica y confronta abiertamente los actos delictivos y de violencia perpetrados contra las mujeres y las personas a través de su arte, como muchas de sus presentaciones en vivo y en video. Lucha habla de valentía, lucha y resistencia por parte de la mujer cotidiana.
Jamie Lewis Hadley (Reino Unido)
esta rosa hecha de cuero , 2012, 9'10”
Compitiendo y subvirtiendo el uso de una pila de baldosas de cerámica -exactamente de su altura-, Lewis Hadley explora la política de la sangre y la masculinidad a través de estrategias de repetición y una exhibición de resistencia física. La actuación también tiene como objetivo resaltar la funcionalidad del cuerpo, con cada mosaico documentando la capacidad del cuerpo para curarse.
NICOLA HUNTER Y ERNST FISCHER (Reino Unido/Alemania)
Passion/Flower , 2012, 4'02”
Un hombre y una mujer, sentados sobre maletas, participan en un acto de autoflagelación ritual, que se interrumpe periódicamente y, por lo tanto, nunca alcanza el nivel de intensidad apasionada que debe inducir. Después de un tiempo, primero uno, luego el otro, se cubren el cuerpo, empaquetan sus pertenencias y se van, con la flor secreta de su fracaso ardiendo en su piel.
OLEG KULIK (Rusia)
Dog House , 1996, 4'10”
Es un breve extracto de la documentación de la participación de Kulik en la exposición colectiva Interpol de Manifest 1 en Fargfabriken, Estocolmo en 1996. Se sugirió que Kulik produjera su proyecto Doghouse dentro de Interpol, una exposición dedicada al problema de la comunicación. El artista fue invitado como una especie de ready-made para quedarse en una casa especialmente construida. Se advirtió a la audiencia que cualquier comunicación con el artista que denunció el lenguaje de la cultura es peligrosa y que nadie debe traspasar las fronteras de su territorio. Siguiendo la lógica de esta acción, Kulik mordió a un señor Lindquist que había desatendido la advertencia. La policía sueca arrestó a Kulik. Esta actuación y la exposición en su conjunto despertaron una respuesta escandalosa de los medios. Interpol se llamó un evento que dividió el mundo del arte en Oriente y Occidente.
MARTIN O'BRIEN (UK)
Taste of Flesh/Bite me I'm Yours , 2015, 2'59”
Una performance de duración en la que O'Brien centró su atención en el tema del contagio extendiéndose al miedo a la contaminación asociado tanto con el cuerpo enfermo como con nuestra identidad virtual en línea (proyectada). Al hacerlo, destacó la reciente ansiedad pública aguda en torno al riesgo de infección e invasión, tanto en la vida real como en línea, ya que hace referencia al aumento de las representaciones del zombi en la cultura popular. La figura tradicional de ciencia ficción del contagio, el zombi, a menudo refleja preocupaciones ambientales, políticas o sociales, todas las cuales se mencionan en esta pieza. Encargado por The Arts Catalyst para el proyecto europeo Confía en mí, soy un artista: hacia una ética de la colaboración arte/ciencia.
Kira O'Reilly (Reino Unido/Irlanda)
Wet Cup , 2000, 2'29
Una actuación que se inspira en la antigua técnica médica de las ventosas húmedas para el tratamiento de mujeres histéricas. Se colocan 'copas' de vidrio calentadas sobre pequeños cortes en el cuerpo de O'Reilly y, a medida que se enfrían, crean un vacío que extrae lentamente la sangre del artista.
PETR PAVLENSKY (Rusia)
Artista radical en la corte – Noticias de Ukraine Today, 2015, 1'57”
Un noticiero de la televisión ucraniana de noviembre de 2015 sobre el arresto y juicio de Pavlensky por una actuación en la que prendió fuego a las puertas de entrada de madera del edificio del Servicio de Seguridad Federal (antigua sede de la KGB) en la plaza Lubyanka en Moscú para llamar la atención sobre las tácticas terroristas. empleado por los servicios de seguridad rusos.
MARILYN ARSEM (EE.UU.)
100 maneras de considerar el tiempo, 2015, 8'18''
100 Ways to Consider Time ha sido presentado por Marilyn Arsem en el Museo de Bellas Artes de Boston durante seis horas al día, todos los días, durante 100 días: una invitación a hacer una pausa y experimentar el momento presente, brindando un respiro temporal al ritmo frenético. de nuestra vida moderna.
RON ATHEY (EE.UU.)
Bosque – Jon John Estate Cut, dirigido por Ron Athey, 2018, 10'25''
Esta es la versión más extendida de un video que Ron Athey realizó para su nuevo trabajo Acephalous Monster. El video es un regalo para el patrimonio del artista de performance Jon John (falleció prematuramente a la edad de 33 años en 2017), ya que algunas de las piezas del video eran objetos que Jon John vio como sus reliquias.
FRANKO B (Reino Unido/Italia)
Milk & Blood, 2015, 43'08
Milk & Blood es una actuación realizada por Franko B el 29.07.2015 en Toynbee Studios, Londres (Reino Unido). Se apropia de la estética del boxeo durante rondas de 32 minutos de resistencia mental y física durante las cuales Franko explora temas de dolor, erotismo, repugnancia, éxtasis y masculinidad. El espectáculo se convierte en una metáfora de la lucha social y la capacidad de superación.
WAFAA BILAL (Irak/EEUU)
3rdi, 2010-2011, 8'39''
En sus propias palabras, Wafaa Bilal dice: “No soy más que un narrador. Mi trabajo hasta la fecha se ha centrado en la comunicación de información pública y privada a una audiencia para que pueda ser contada y distribuida. Las historias que cuento son dramas políticos, que se desarrollan a través de mis experiencias pasadas y hacia el presente, donde interactúan con la actualidad de los medios como la dialéctica del placer y el dolor estéticos".
BOB FLANAGAN (EEUU)
¿Por qué?, 1985, 3'33''
En ¿ Por qué? Bob Flanagan describió con una honestidad despiadada, un ingenio valiente y una franqueza despojada de cualquier pretensión y artificio, su infancia atormentada y un ambiente insoportable de inmenso dolor y agonía que más tarde dio a luz sus deseos masoquistas. Presentado en su película Sick: The Life & Death of Bob Flanagan, Supermasochist (1997), ¿Por qué? es un poema-manifiesto hablado escrito en 1985, complicado por capas de emoción, dolor, pasión y situaciones vividas que evocan todo a la vez para expresar la humanidad intrínseca de Flanagan y su deseo de vivir.
GUILLERMO GÓMEZ-PEÑA (México/EEUU)
Museo Vivo de Identidades Fetichizadas, 1999-2002, 1'30”
Bienvenidos al Tercer Mundo, 2004, 1'35''
Ritual de Identidad Instantánea, 2005, 1'48''
Como parte de una serie más extensa de obras del legendario grupo de actuación conocido como La Pocha Nostra, cofundado por Guillermo Gómez-Peña, Living Museum of Fetishized Identities muestra a Gómez-Peña con una mezcla de disfraces mientras pasa unas tijeras sobre sus rasgos faciales. En un posible intento de eliminar su identidad fetichizada, Gómez-Peña deja a los espectadores en un estado de inquietud.
NORBERT KLASSEN (Alemania)
Sin título, 2009, 16'17''
Es la documentación de una performance que Norbert Klassen realizó en 2009 en el festival Arte de Acción organizado por Sinberifora AC en Valencia. Klassen corta lentamente su frente al son del Bolero de Maurice Ravel. Maestro de la “presencia performativa”, Norbert Klassen siempre quiso bailar el Bolero. Sin poder bailar, encontró otra solución: “Me quedo inmóvil bajo las luces del escenario, con un vestido de fiesta brillante, y me corto dieciocho veces en la frente, acompañado por el ritmo cada vez mayor de la música: La sangre gotea. ¡Sobre mi cuerpo está la danza!”.
YOKO ONO (Nutopia)
PIEZA CORTADA, 1964/1965, 8'27”
PIEZA CORTADA, 1964/2003, 46'5”
En Cut Piece, Yoko Ono se sentó en un escenario con un vestido negro, con unas tijeras frente a ella, e invitó a los espectadores a participar cortando su vestido. Cerca del final de su actuación, los participantes cortaron más y más tela de su vestido, hasta que quedó hecho jirones.
STELARC (Chipre/Australia)
Suspensión de oído sobre brazo, 2015, 8'18''
Suspensión de oído sobre el brazo es una performance en la que el cuerpo de Stelarc está suspendido sobre una escultura de 4 m de largo. Se insertan dieciséis anzuelos de tiburón de pesca a lo largo de la parte posterior de su torso, brazos y piernas para distribuir equitativamente el peso de su cuerpo. Cuando lo levantaron, el cuerpo asumió todo su peso, estirando su piel. Debido a que el cable de acero trenzado se desenrosca cuando asume todo el peso, comienza a desenroscarse y el cuerpo comienza a girar, primero en un sentido y luego en el otro. Lo que primero se imaginó como una actuación de cinco minutos, terminó siendo de 15 minutos. La actuación fue sobre el contrapunto en escala. Un cuerpo físico completo suspendido sobre un fragmento más grande del cuerpo: la oreja en un brazo. El cuerpo se convierte en objeto en una instalación escultórica. La actuación comenzó cuando el cuerpo fue levantado de la escultura y terminó cuando el cuerpo aterrizó.
VESTANDPAGE (Alemania/Italia)
Can You Hear Me / I Am Just Going Outside (Extractos de la película sin∞fin), 2012, 4'32'' / 2'37”
Can You Hear Me y I am Just Going Outside son dos actuaciones/extractos de la película de 2012 basada en la actuación sin∞fin – Performances at the Core of the Looking-Glass , producida por VestAndPage durante una residencia de seis semanas en el continente antártico. En Can You Hear Me , la cámara graba a Verena Stenke en un glaciar aislado, gritando repetidamente "¿Puedes oírme?" Se deja que el espectador visualice a quién se dirige esta pregunta y si hay o no una respuesta. I Am Just Going Outside ve a Stenke cayendo repetidamente rígido sobre el hielo, mientras las concepciones de identidad son el encuentro existencial entre el cuerpo humano y el Gran Blanco.
Orquesta mortal desconocida
